KNUST KUNZ GALLERY EDITIONS
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ROBERT MOTHERWELL - Game of Chance - selected prints
16.05 - 20.06.2026
Many artistic milestones of the 20th century – works and movements such as Picasso’s Les Demoiselles d’Avignon, Malevich’s Black Square, the Blue Rider group, or Black Mountain College – are celebrating or approaching their centennials.
The 2030s will also shape new movements in art. Epochal change is reflected here. What comes next? Where will we gather? Continuity in times of upheaval lies in the work of artists: no matter what, they remain in the studio.
Around 100 years ago, it became clear that the world’s attention would shift toward American painters. The transition from Paris to New York as the center of art was prepared by major collections such as that of Albert Barnes.
Bernard Jacobson describes this as a migration of painting itself, culminating in Clement Greenberg’s claim that the premises of Western art had moved to the United States.
We know the artists who followed: Helen Frankenthaler, Robert Motherwell, Barnett Newman, among others.
A Robert Motherwell exhibition is long overdue. His work is groundbreaking in printmaking and collage, offering renewed engagement with perception and thought. His practice embodies the Peintre-Graveur concept: experience is layered and transformed into nonverbal, nonlinear knowledge on canvas.
Motherwell’s connection to John Cage, including the 1948 journal possibilities, is key. A drawing intended for its unrealized second issue became the origin of his major series Elegy to the Spanish Republic. Serial work, reflection, and printmaking define his oeuvre, especially after 1972.
He uniquely treated printmaking as equal in importance to his other work. Collage plays a central role, its force extending into his prints and remaining relevant today.
His concept of the “After Image” refers to invisible references: traces of art, literature, and experience embedded within the work. Each image carries residues of other works or moments – a layered visual and intellectual presence.
This forms a painterly-philosophical idea: the artwork as a site of memory and relation. Motherwell also incorporated everyday materials – papers, labels, packaging – into his compositions. In John Cage’s writings, he recognized a similar collage method: a network of quotations and associations creating richer dimensions than linear narrative.
Cunnigham Capsule
16.05 - 06.06.2026
Merce Cunningham was born in 1919 in the U.S. state of Washington—two years before Joseph Beuys, seven years after John Cage, and nine years before Andy Warhol. He is considered one of the most influential choreographers of the 20th century. His research and innovations in shaping and expressing meaningful movement of the human body are unique. His lifelong collaboration with the composer John Cage, as well as with numerous visual artists, is legendary. The dancers of his company honored him with deep respect and admiration. In total, Merce Cunningham created more than 180 choreographies and over 500 events.
The Merce Cunningham Dance Company was founded in the summer of 1953 at Black Mountain College. His approach was revolutionary—ideologically simple and at the same time physically highly complex. The opening of the body inward and into space, evident in his works, is still regarded as groundbreaking today. As Carolyn Brown, his longtime “top dancer,” put it: “Dancing is a spiritual exercise in physical form.”
Carolyn Brown’s perspective is brought to life in the exhibition, among other ways, through unpublished photographs by Saul Leiter from her estate. Her accounts of the time with Cage, Cunningham, Rauschenberg, and Johns are fascinating testimonies of a monumental era of the 20th century that fundamentally transformed dance, art, music, and theater.
Carolyn Brown was a dancer, choreographer, filmmaker, and teacher. She was one of Cunningham’s most important collaborators and stood in front of Saul Leiter’s camera: “Remy suggested that I try high-fashion modeling. He brought along a friend—Saul Leiter, a painter who supported himself with commercial photography—and he took photographs of me.”
A little over a year ago, Carolyn Brown passed away. In her book Chance and Circumstance, she quotes a text by John Cage from 1955, written for the performance of Springweather and People. In it, Cage describes Merce Cunningham as a researcher and pioneer with a clear structure:
“…his own school of dance and choreography, whose continuity no longer depends on linear elements—neither narrative nor psychological—and not on movement toward or away from a climax. As in abstract painting, it is assumed that an element (a movement, a sound, a change in light) is expressive in itself; what it communicates is largely determined by the observer. It is assumed that dance sustains itself and does not require support from music. … As for the individual movements, they are both derived and discovered; derived from both ballet and modern dance, and discovered as results of Cunningham’s ongoing search and refinement of his sense of movement.”
Decades later, Carolyn Brown regarded John Cage as the best mediator and interpreter of Cunningham’s work. His words remain relevant even half a century later and must be continually reaffirmed, as audiences continue to be surprised and captivated by the creativity and artistic power of this choreographer.
One of the groundbreaking innovations in stage design is highlighted through Carolyn Brown’s descriptions:
“Space, as the title Summerspace suggests, was Cunningham’s central choreographic concern in this piece. In his explorations of movement, Cunningham sought steps and phrases that carry the dancers through space, not just into it. There were twenty-one different spatial pathways—horizontal, diagonal, or circular—leading from and to three entrances and exits on each side of the stage. The movements were mostly continuous and often fast. … In selecting the spatial possibilities for Summerspace, Cunningham avoided the center of the stage, except as an area the dancers might pass through.”
This revolution in stage spatial design continues to fascinate to this day. The artistic practice of Lena Grossmann is an independent reflection on this bodily intelligence. Her work Mimetic Practice is part of the exhibition and invites artistic engagement.
Merce Cunningham and John Cage were extraordinary contemporaries. It is therefore hardly surprising that Cunningham’s drawings predominantly focus on the animal world. Perhaps this also reflects his view of humans as beings who move between, occupy, possess, relinquish, and explore spaces—abilities that animals, as living beings in motion, also possess.
ROBERT MOTHERWELL - Game of Chance - selected prints
16.05 - 20.06.2026
Viele der künstlerischen Höhepunkte des 20. Jahrhunderts – Werke und Bewegungen wie Picassos Demoiselles d’Avignon, Malevichs Schwarzes Quadrat, der Blaue Reiter oder das Black Mountain College – feiern ihre hundertjährigen Geburtstage oder stehen kurz davor.
Die dreißiger Jahre des 21. Jahrhunderts werden auch in der Kunst neue Bewegungen formen. Der Epochenwandel bildet sich dort ab. Was wird als Nächstes sein? An welchen Orten versammeln wir uns? Kontinuität in Zeiten des Aufruhrs liegt in der Arbeit der KünstlerInnen: No matter what stehen sie im Atelier.
Vor etwa 100 Jahren zeichnete sich ab, dass der Blick der Welt in die Ateliers amerikanischer MalerInnen gerichtet sein würde. Der Wechsel von Paris nach New York als Zentrum der Kunst wurde vorbereitet durch bedeutende Sammlungen wie jene von Albert Barnes.
Bernard Jacobson beschreibt diese Verschiebung als Migration der Kunst selbst – bis hin zu der Feststellung Clement Greenbergs, dass die Grundlagen westlicher Kunst in die USA übergegangen seien.
Wir wissen, wer diese Künstler waren: Helen Frankenthaler, Robert Motherwell, Barnett Newman und andere.
Eine Ausstellung mit Robert Motherwell ist längst überfällig. Sein Werk ist richtungsweisend für Druckgrafik und Collage und eröffnet eine stetige Wiederbegegnung mit dem eigenen Denken und Sehen. Seine Arbeitsweise zeigt die Tragweite des Peintre-Graveur-Konzepts: Erfahrung wird abgelagert und als nichtlineare, nonverbale Erkenntnis auf die Leinwand gebracht.
Motherwell war eng mit John Cage verbunden, etwa im Projekt „possibilities“ (1948). Die Zeichnung für das nie erschienene zweite Heft wurde zum Ausgangspunkt seiner Serie Elegy to the Spanish Republic. Serien, Reflexion und Druckgrafik prägen sein Werk, das er besonders ab 1972 intensivierte.
Seine besondere Stellung zeigt sich auch darin, dass er Druckgrafik als gleichwertig zu seinem übrigen Werk betrachtete. Die Collage spielt dabei eine zentrale Rolle – auch in den Drucken, wo ihre Spannung bis heute spürbar bleibt.
Der Begriff „After Image“ beschreibt bei Motherwell unsichtbare Referenzen: Spuren von Kunst, Literatur und Erfahrung, die im Bild präsent bleiben. Ein Werk trägt Nachbilder anderer Werke oder Erlebnisse in sich – als visuelle und gedankliche Schichtung.
So entsteht ein malerisch-philosophisches Konzept: das Bild als Träger von Erinnerung und Relation. Ergänzend integrierte Motherwell Materialien des Alltags – Papiere, Etiketten, Verpackungen – in seine Arbeiten.
Auch bei John Cage erkannte er eine vergleichbare Collage-Methode: ein Geflecht aus Zitaten und Bezügen, das mehr Dimension schafft als lineare Erzählung.
Cunnigham Capsule
16.05 - 06.06.2026
Merce Cunningham wurde 1919 im US-Bundesstaat Washington geboren – zwei Jahre vor Joseph Beuys, sieben Jahre nach John Cage und neun Jahre vor Andy Warhol. Er zählt zu den einflussreichsten Choreographen des 20. Jahrhunderts. Seine Forschungen und Innovationen in der Formgebung und Ausdruckskraft sinnstiftender Bewegungen des menschlichen Körpers sind einzigartig. Die lebenslange Zusammenarbeit mit dem Komponisten John Cage sowie mit zahlreichen bildenden Künstlern ist legendär. Tänzer seiner Kompanie ehrten ihn mit großer Verehrung und Bewunderung. Insgesamt schuf Merce Cunningham über 180 Choreografien und mehr als 500 Events.
Die Merce Cunningham Dance Company wurde im Sommer 1953 am Black Mountain College gegründet. Sein Ansatz war revolutionär – ideologisch einfach und zugleich physisch höchst komplex. Die Öffnung des Körpers nach innen und in den Raum, die sich in seinen Werken zeigt, gilt bis heute als bahnbrechend. Wie Carolyn Brown, seine langjährige „Top-Tänzerin“, es ausdrückte: „Tanzen ist eine spirituelle Übung in körperlicher Form.“
Carolyn Browns Perspektive wird in der Ausstellung unter anderem durch unveröffentlichte Aufnahmen von Saul Leiter aus ihrem Nachlass lebendig. Ihre Erzählungen über die Zeit mit Cage, Cunningham, Rauschenberg und Johns sind faszinierende Zeitzeugnisse einer monumentalen Ära des 20. Jahrhunderts, die Tanz, Kunst, Musik und Theater grundlegend veränderte.
Carolyn Brown war Tänzerin, Choreografin, Filmemacherin und Lehrerin. Sie gehörte zu Cunninghams wichtigsten Partnerinnen und stand vor Saul Leiters Kamera: „Remy schlug vor, ich solle es mit High-Fashion-Modeling versuchen. Er brachte einen Freund mit – Saul Leiter, einen Maler, der sich mit kommerzieller Fotografie über Wasser hielt – und dieser machte Fotos von mir.“
Vor etwas mehr als einem Jahr ist Carolyn Brown verstorben. In ihrem Buch „Chance and Circumstance“ zitiert sie einen Text von John Cage aus dem Jahr 1955, der für die Aufführung von Springweather and People verfasst wurde. Darin beschreibt Cage Merce Cunningham als Forscher und Wegbereiter mit klarer Struktur:
„… seine eigene Schule des Tanzes und der Choreografie, deren Kontinuität nicht mehr auf linearen Elementen beruht – weder narrativ noch psychologisch – und auch nicht auf einer Bewegung hin zu oder weg von einem Höhepunkt. Wie in der abstrakten Malerei wird angenommen, dass ein Element (eine Bewegung, ein Klang, eine Lichtveränderung) an sich selbst Ausdruck ist; was es kommuniziert, bestimmt zum großen Teil der Beobachter selbst. Es wird angenommen, dass der Tanz sich selbst trägt und keine Unterstützung durch die Musik benötigt. … Was die einzelnen Bewegungen betrifft, so sind sie sowohl abgeleitet als auch entdeckt; abgeleitet sowohl vom Ballett als auch vom modernen Tanz, entdeckt als Ergebnisse von Cunninghams ständiger Suche und Verfeinerung seines Bewegungssinns.“
Jahrzehnte später sieht Carolyn Brown John Cage als den besten Vermittler und Interpreten von Cunninghams Werk. Seine Worte sind auch ein halbes Jahrhundert später aktuell und müssen immer wieder neu betont werden, da das Publikum weiterhin von der Kreativität und künstlerischen Kraft dieses Tanzautors überrascht und fasziniert ist.
Eine der wegweisenden Bühneninnovationen wird exemplarisch aus Carolyn Browns Schilderungen hervorgehoben:
„Space, wie der Titel Summerspace andeutet, war Cunninghams zentrales choreografisches Anliegen in diesem Stück. Bei seinen Bewegungserkundungen suchte Cunningham Schritte und Phrasen, die die Tänzer durch den Raum tragen, nicht nur in ihn hinein. Es gab einundzwanzig verschiedene Raumwege – horizontal, diagonal oder kreisförmig –, die von und zu drei Ein- und Ausgängen auf jeder Seite der Bühne führten. Die Bewegungen waren größtenteils kontinuierlich und oft schnell. … Bei der Auswahl der räumlichen Möglichkeiten für Summerspace vermied Cunningham die Bühnenmitte, außer als Bereich, den die Tänzer beim Durchqueren passieren konnten.“
Diese Revolution der Bühnenraumgestaltung fasziniert bis heute. Die bildnerische Praxis von Lena Grossmann ist eine eigenständige Reflexion dieser Körperintelligenz. Ihr WerkMimetic Practice ist Teil der Ausstellung und lädt zur künstlerischen Auseinandersetzung ein.
Merce Cunningham und John Cage waren außergewöhnliche Zeitgenossen. Es überrascht daher kaum, dass Cunninghams Zeichnungen überwiegend die Tierwelt thematisieren. Vielleicht ist es aber auch ein Ausdruck seiner Sicht auf Menschen als Wesen, die Orte wechseln, besetzen, besitzen, freigeben und erschließen – Fähigkeiten, die auch Tiere als bewegte Lebewesen besitzen.
